Latura intunecata a Belle Epoque

Latura intunecata a Belle Epoque

(Credit de imagine:

Hugo Maertens / DACS 2016

)

Arta de la inceputul secolului trecut nu era doar gradinile Monet sarute de soare. A fost o perioada de neliniste si decadenta, exprimata prin intermediul unor tablouri cu adevarat tulburatoare, scrie Fisun Guner.

W

Cand ne gandim la arta la sfarsitul secolului al XIX-lea, cine si ce ne vine in minte? Monet si impresionism, cu siguranta. Toulouse-Lautrec la Moulin Rouge, poate. Postimpresionism, desigur: Cezanne si jucatorii sai de carti grei sau Mont Sainte-Victoire sclipind la orizont, magnific si maiestuos; Gauguin in paradisul sau tahitian; sau ultimele peisaje captivante ale lui Van Gogh, care a murit exact in momentul in care ultimul deceniu al secolului intra in pasul sau.

Dar cand ne gandim la arta care este de fapt caracterizata ca arta fin de siecle , in special in ultimul deceniu al acelui secol, starea de spirit se schimba si se intuneca. Ne gandim la arta anxietatii si a anxietatii, a dramelor si a tensiunii febrile, a unui sentiment acut de alienare. Si totul este cat se poate de indepartat de gradina plina de soare a lui Monet, la Giverny.

Array

James Ensor, vazut aici in studioul sau in 1937, a facut din munca sa un index al nelinistitorului (Credit: www.lukasweb.be – Art in Flanders vzw / DACS 2016)

S-ar putea, de exemplu, sa ne gandim, cel mai faimos, la Tipatul lui Munch, a carui prima versiune a pictat-o ​​artistul norvegian tulburat in 1893, sau la diferitele sale descrieri ale femeilor ca vampiri, care-si linistesc setea sexuala a barbatilor nebanusi. Sau poate ca gandurile noastre se indreapta catre tanarul si excentricul ilustrator si gravator englez Aubrey Beardsley si vixenele sale intunecate erotice si sinuoase – femeie fatala exotica care ar putea captiva si distruge orice barbat. Si ca intruchipare a poftei si a raului, in mod natural, femeia fatala devine o mascota a fin de siecle , la fel de mult ca dandy, acel estet ultra-rafinat care se ridica deasupra preocuparilor morale obisnuite, devine icoana sa.

Sau ne-am putea gandi chiar la un artist care este prezentat in prezent la Academia Regala din Londra: genialul pictor belgian James Ensor, a carui paleta bogata straluceste cu culori rubenesca, dar al carei subiect este intunecat si satiric: cranii si schelete si masti stranii, toate reprezentand coruptia din centrul societatii burgheze.

Tipatul lui Munch este cel mai cunoscut exemplu de expresionism, o miscare care reprezenta realitatea externa ca indicativ al starilor emotionale (Credit: Edvard Munch / Wikipedia)

Sau colegul sau belgian, mai putin cunoscut, dar la fel de stralucit, Leon Spilliaert, ale carui trasaturi subtiri si bantuite se uita dezamagit in autoportretele sale, prezentandu-se ca o figura ciudata, cadavra, prinsa in interioare mohorate si apasatoare – si pentru Spilliaert se afla Academia Regala, unde completeaza opera lui Ensor, contemporanul sau mai in varsta care a trait si la Ostend.  

Sau, de fapt, s-ar putea chiar sa ne intoarcem la Gauguin, care, intr-un fel sau altul, a devenit un personaj principal al acestor forte nelinistitoare la sfarsitul secolului.

Fascinatia lui Gauguin pentru subiectele religioase si mistice, si pentru cele pur imaginare si fantastice, au fost sintetizate in picturile sale cu lumea obisnuita, de zi cu zi, care il inconjura – la fel cum opera lui James Ensor a furnizat si o sinteza a realului si a imaginii.

Ceea ce se afla sub

Ensor a crescut deasupra unui magazin de curiozitati din orasul rece si de coasta Ostend, unde mama sa a vandut turisti bibelouri, costume si masti grotesti de carnaval. La inceput Ensor a pictat intr-un stil vag impresionist, dar si-a pastrat fascinatia din copilarie cu aceste masti si le-a incorporat in curand in opera sa. Motivul sau preferat a devenit cel al multimii in crestere, unde fetele osificate se indreapta spre fata, mastile amenintatoare care coplesesc intreaga imagine. Pentru Ensor, aceste recuzite pareau sa ofere metafora perfecta pentru ipocriziile societatii politicoase.

Intr-un singur tablou, The Intrigue, 1890, care constituie piesa centrala a expozitiei Academiei Regale, un grup de grotesti cu chipuri abia umane se aduna intr-un grup de nunta bizar, mireasa in varsta si mirele ei cu capricii infricosator care inverseaza valorile familiale si crestine sa se regaseasca in intruchiparea ritualului casatoriei. intr-un autoportret, pictat cu un an mai devreme, il gasim pe tanarul Ensor intr-o palarie elaborata, pluma, facandu-l sa para usor ridicol. Inconjurat de un roi de masti terifiante, el se uita la noi cu o privire severa si sincera. Ne acuza el de vreo crima nespecificata impotriva lui sau ne implora pur si simplu sa depunem marturie pentru suferinta lui?

Aubrey Beardsley a ajutat la stabilirea ideii de femeie grea in litografiile sale nefasta alb-negru precum Dansul stomacului din 1893 (Credit: Aubrey Beardsley / Wikipedia)

In alte panze, Ensor se picteaza fie ca schelet, fie ca o figura chinuita, asemanatoare lui Hristos. In monumentala sa intrare a lui Hristos la Bruxelles in 1889 (de fapt pictata in 1888), Hristos insusi este vazut intrand in oras pe un magar, dar abia se poate distinge in mijlocul multimii zdrobitoare – implicatia fiind ca acesti scionii auto-obsedati si conservatori ai orasului abia ar observa mesia care sosea printre ei. Si poate fi o referinta de-a latul la propriul geniu trecut cu vederea de Ensor. La fel ca Munch, se simte ca Ensor a suferit de un complex de persecutie acuta, desi spre deosebire de Munch, lucrarea lui Ensor are o margine intunecata. Picturile sale pline sunt pline de umor si sunt cu atat mai vii pentru asta.

Deci, de ce s-au delectat artistii cu astfel de expresii exterioare de neliniste si dislocare? Intr-o era de pace si stabilitate relativa si, pentru cativa, prosperitate economica (o era numita, dupa distrugerea Marelui Razboi, sub numele de Belle Epoque sau Epoca de Aur si care s-a intins de la 1870 pana la izbucnirea razboiului) arta Europa fin-de-secol a exprimat ceva contrar acelor semne exterioare de incredere. Acestea erau anxietati legate de un sentiment al vidului spiritual al societatii si al materialismului sau in crestere. Aceasta a fost o respingere a ideii ca progresul si ratiunea, idei pe care intelectualii le-au imbratisat si promovat inca din secolul al XVIII-lea ca idealuri iluministe, ar putea sustine spiritul.

Dar poate, intr-un fel, acestea erau si anxietati exacerbate pana la sfarsitul oricarui secol. S-ar putea sa sune o conexiune banala, dar in epoca noastra ne-am putea gandi la alarma de la Millennium Bug, unde oamenii isi imaginau de fapt avioane cazand din cer din cauza programelor care au cazat doar doua cifre in loc de patru (computerele ar gandi, cand a sosit ora, erau inapoi in 1900).

Gauguin este de unde venim? Ce suntem noi? Unde mergem? nu este o idila tropicala – poate fi citita ca o panorama a ennuiilor existentiale (Credit: Paul Gauguin / Wikipedia)

A semnalat o anxietate mai profunda, care este perena: incapacitatea noastra de a cunoaste si controla propriile noastre destine. De unde venim? Ce suntem noi? Unde mergem? ocult.  

Intuneric si disperare

Fin de siecle a cuprins miscarile simboliste si decadente, care au fost in primul rand miscari literare infloritoare pentru prima data in Franta , dar peste apoi toata Europa, si care a oferit un izvor de idei pentru artisti vizuali. Pe langa Ensor si Spilliaert, unul dintre cei mai notabili artisti din Belgia a fost Fernand Khnopff, care, la fel ca Ensor, a fost membru al grupului belgian de avangarda Les XX si a carui pictura cea mai izbitoare, L’Art (sau Mangaierile) , 1896, a reprezentat un sfinx cu capul unei femei „adevarate” si corpul unui leopard, cu fata in fata imaginii extazului, in timp ce este prezentata mangaind o figura masculina (Oedip).

L’Art de Fernand Khnopff explicita ideea ca expresivitatea sexuala este o forma de impuls animal (Credit: Fernand Khnopff / Wikipedia)

Este o imagine convingatoare si nelinistitoare, straina de realismul meticulos al tehnicii sale cu fantezia enigmatica a subiectului sau. In alta parte se aflau ciudatele fantezii Goya-esque ale austriacului Alfred Kubin si, in Germania, picturile indraznete si erotice ale lui Franz Stuck, care a cofondat grupul avangardist al Secesiunii de la Munchen in 1892. Cu o generatie mai veche, ne-am putea gandi si la cele mai dulci, desi nu mai putin obsedante viziuni de vis ale artistului francez Odilon Redon.

In literatura, una dintre cele mai influente lucrari ale miscarilor simboliste si decadente a fost A Rebours (Against Nature) a lui Joris-Karl Huysmans . Publicat in 1884, tanarul sau anti-erou este un estet excentric, reclama numit Jean des Esseintes, care uraste societatea burgheza si o respinge atat de rotund. In schimb, el se inconjoara de poezie si arta simbolista nastere si traieste o viata de indulgenta senzuala excesiva.

Temele lui Huysmans au gasit cu siguranta un ecou printre multi artisti ai perioadei. Raspunsul scriitorului francez Barbey d’Aurvilly la romanul sau seminal de literatura decadenta a fost revelator in perspectiva sa: „Pentru ca un decadent de acest calibru sa apara si pentru ca o carte ca a lui Monsieur Huysmans sa germineze intr-un cap uman, trebuie sa devenim ceea ce de fapt suntem – o cursa in ultima sa ora. ”

Daca doriti sa comentati aceasta poveste sau orice altceva pe care l-ati vazut pe BBC Culture, accesati  pagina  noastra de  Facebook sau trimiteti-ne un mesaj pe Twitter .

Si daca ti-a placut aceasta poveste,  inscrie-te la buletinul informativ saptamanal bbc.com , numit „Daca ai citit doar 6 lucruri in aceasta saptamana”. O selectie selectata de povesti de la BBC Future, Earth, Culture, Capital, Travel si Auto, livrate in casuta de e-mail in fiecare vineri.