Cum a inspirat baletul moda

Cum a inspirat baletul moda

Odata considerata o figura „imorala”, balerina a devenit de atunci simbolul elegantei si rafinamentului – si o muza de stil semnificativa. Cath Pound exploreaza influenta baletica.

W

Cu dragostea lor reciproca de frumusete, eleganta si performanta, moda si baletul au parut de mult timp parteneri perfecti. Dar, pana la inceputul secolului al XX-lea, relatia a fost decisiv unilaterala. Desi balerinele au ajuns sa fie vazute de multi ca un simbol al stilului si rafinamentului, ele au fost, pentru o lunga perioada de timp, contaminate cu o imagine a imoralitatii. Abia la inceputul anilor 1930, cand baletomania a luat stapanire, couturistii s-au lasat influentati de noua forma de arta respectabila, proiectand rochii delicioase inspirate de tutu care si-au atins apogeul in creatiile divine ale unor couturieri precum Christian Dior si Jacques Fath.

Mai multe asa:

– De ce sunt francezii atat de sic?

– Lumea de basm a lui Tim Walker

– Ce face rochia perfecta?

Relatia indelungata a baletului cu moda este examinata in expozitia Kunstmuseum din Haga, Let’s Dance !, si este, de asemenea, subiectul unei noi carti, Ballerina: Fashion’s Modern Muse de Patricia Mears, director adjunct al Fashion Institute of Technology din New York. O expozitie va urma in februarie 2020.

Relatia simbiotica dintre balet si moda este explorata in expozitia Sa dansam! (Credit: Jasper Abels)

Poate fi o surpriza faptul ca o forma de arta care a avut un impact atat de durabil asupra modei feminine a fost initial interpretata aproape exclusiv de barbati aristocrati, care dansau in adaptari elaborate ale rochiei de curte.

Array

Doar pe masura ce baletul s-a profesionalizat si popularizat in secolele XVIII si inceputul secolului al XIX-lea, a ajuns sa fie dominat de femei.

In aceasta perioada, costumele au reflectat indeaproape moda femeilor contemporane, dar au fost adaptate pentru a permite libertatea de miscare si pentru ca publicul sa aprecieze jocul de picioare al unui dansator. Intrucat aceste modificari implicau frecvent tivuri ridicate sau tesaturi mai usoare care accentueaza forma corpului, ele nu au facut prea mult pentru a modifica perceptia ca o femeie respectabila nu va aparea niciodata pe scena. Cu siguranta nu erau stiluri care sa fie imitate de femeile din societate.

Un look inspirat de balet de schiaparelli haute couture, primavara / vara 2019 (credit: Jasper Abels)

Baletul respectiv a fost ridicat la o forma de arta respectabila in anii 1830 si 40 datoreaza mult celei mai celebre balerine din epoca, Marie Taglioni, a carei imagine de dama si talent incontestabil i-a castigat legiunile de fani. De asemenea, Taglioni a creat imaginea arhetipala a balerinei. In rolul ei din La Sylphide, a purtat un corset alb si o fusta diafana din tul de vitel, care „a fost o versiune mai scurta a rochiei de moda din anii 1830”, explica Madelief Hohe de la Kunstmuseum. Accesorizat cu pompe din satin dantelate in jurul vitelului, bazat si pe imbracamintea de seara la moda din epoca, va ramane, cu ajustari minore, costumul standard pentru balerinele romantice de atunci.

Eleganta dansatorilor de balet ii face sa devina figuri inspiratoare pentru designerii de moda (Credit: Kunstmuseum den Haag)

Dar aceasta respectabilitate urma sa se dovedeasca de scurta durata. Taglioni ar fi fost, fara indoiala, ingrozit ca tutu-ul pe care l-a popularizat si-a castigat numele dintr-o derivare a termenului de argou vulgar cucu , adica partea de jos – parte a anatomiei dansatorului pe care patronii de pe scaunele ieftine ale Operei din Paris au putut sa o observe adesea.

Transformarea baletului intr-o venerata forma de arta iubita de creatorii de moda a inceput odata cu sosirea lui Ballets Russes a lui Sergei Diaghilev in 1909. „Au fost atat de influenti cand au venit, integrand cei mai buni artisti, cei mai buni muzicieni si compozitori”, spune Patricia Mears pentru BBC Designed. Estetica lor orientalista s-a dovedit extrem de influenta pentru o generatie de designeri dinainte de razboi, inclusiv Paul Poiret, care a inceput sa proiecteze fuste si pantaloni harem intr-o serie de culori indraznete, asemanatoare bijuteriilor.

Corsetul unei rochii brodate de Christian Dior, 1950, purtat de prima balerina Margot Fonteyn (credit: William Palmer, Muzeul modei de la Bath)

Dar Mears considera ca Diaghilev a pus in scena The Sleeping Beauty in 1921 ca fiind punctul major de cotitura in relatia modei cu baletul. „Nu cred ca pana cand au inceput sa fie interpretate clasicele, ati inceput sa vedeti ca moda o absoarbe”, spune ea.

La mijlocul anilor 1920, Jeanne Lanvin creeaza rochii romantice cu fuste intregi, in contrast puternic cu invelisurile elegante si tunicile care erau la moda la acea vreme. Chiar si avocata modernista Madeleine Vionnet a preluat influenta baletului, ajungand pana la a titla o rochie din colectia ei de toamna / iarna 1924/5 „Ballerina”.

Ideal romantic

Baletul a castigat curand o atentie serioasa in presa de moda, cu un numar din 1932 al Vogue dedicand opt pagini de acoperire pentru productia Cotillon a Baletelor Ruse de Monte Carlo. Costumele productiei, proiectate de artistul francez Christian Berard si executate de costumatoarea Barbara Karinska, au aratat cum ideile pluteau intre cele doua forme de arta.

Dior este una dintre casele de moda proeminente care are o relatie de lunga durata cu baletul (Credit: Kunstmuseum den Haag)

Karinska, care avea sa devina designer principal pentru New York City Ballet si avea, de asemenea, propria linie de couture, „a fost unul dintre pionierii confectionarii costumului din tul in straturi de culori diferite, pe care apoi il vedeti pe Charles James experimentand”, spune Mears.

Berard era un prieten apropiat al lui Coco Chanel, iar influenta costumelor sale impodobite cu stele poate fi vazuta intr-o rochie stralucitoare, decorata cu paiete, pe care a creat-o cativa ani mai tarziu. Mai semnificativ, Berard l-a indrumat pe tanarul Christian Dior, designerul care, mai mult decat oricare altul, este asociat cu modele clasice inspirate de balet care au dominat modele franceze de-a lungul anilor 1940 si 50. Cand New Look-ul sau a explodat pe scena in 1947, a fost „foarte clar de unde a venit influenta”, spune Mears.

O colaborare intre designerul David Laport si Baletul National Olandez pentru Gala Tinerilor Patroni din 2018 (Credit: David Laport / Kunstmuseum den Haag)

Intelegerea unica a lui Dior despre balet a insemnat ca balerini de frunte precum Margot Fonteyn au fost instantaneu atrasi de opera sa. Stilurile sale postbelice, ele insele evocatoare ale idealului romantic din secolul al XIX-lea, se potriveau perfect corpului si posturii sale elegante si a ramas loiala creatiilor lui Dior pana la moartea sa.

Corelatia dintre balerina si haute couture a fost evidentiata in continuare de costumele create de Jacques Fath pentru Moira Shearer in The Red Shoes, un film care a contribuit la alimentarea entuziasmului pentru stilul de balet.

O rochie de Giambattista Valli, vara 2019, reflecta dragostea stilului baletic de la haute couture (Credit: Team Peter Stigter)

Desi in cateva decenii scurte, balerinele trecusera de la a fi la marginea societatii la figuri aspirationale ale glamourului, frumusetii si artei, apelul lor nu a durat. Pana in anii 1970 balerina nu era pur si simplu „arhetipul pe care il cautau urmatoarea generatie de femei care lupta pentru egalitate”, spune Mears.

Vivienne Westwood a proiectat costume pentru Baletul de Stat din Viena in 2014 (Credit: ORF / Gunther Pichlkostner)

Cu toate acestea, designerii de moda nu si-au pierdut nimic din entuziasmul pentru balet si, in schimb, s-au orientat spre designul costumelor. Designeri la fel de diversi ca Christian Lacroix, Vivienne Westwood, Valentino si Viktor si Rolf si-au adus cu totii propriul stil unic in costumele de balet. Din 2012, New York City Ballet a alaturat noi coregrafi cu designeri de moda de top, precum Iris Van Herpen, in gala anuala de toamna. Marc Happel, seful de costum, lucreaza neobosit pentru a perfectiona concepte de moda radicale pentru a satisface nevoile dansatorilor si coregrafilor deopotriva.

Dar moda a fost intotdeauna ciclica, iar in ultimii ani estetica baletului a revenit pe podium. „Daca te uiti la ultimele colectii din acest an sau anul anterior, este o mare explozie de tul”, spune Hohe.

Viktor & Rolf au proiectat fuste de balet pentru baletul national olandez in 2014 (credit: Erwin Olaf / baletul national olandez)

Motivele pentru acest lucru sunt multe, dar Mears crede ca Misty Copeland, primul dansator afro-american principal, al carui corp curbat si muscular este in contrast cu stereotipul salbatic, a avut un impact foarte pozitiv asupra imaginii baletului. De asemenea, ea crede ca „femeile mai tinere nu sunt deranjate de dorinta de a exercita o feminitate evidenta”.

Phoebe Waller-Bridge a dovedit cu siguranta ca poti arata feminin si rece fara efort in rochia Monique Lhuillier pe care a imbracat-o pentru a-si colecta Emmy-urile, care au imperecheat curti de tul cu un decolteu indraznet. De asemenea, a ales sa-si imbrace anti-eroina asasina Villanelle intr-o rochie de organza roz, proiectata de Molly Goddard, care lucreaza de cativa ani cu aspectul de balerina proasta.

Villanelle (Jodie Comer), antieroina din drama TV Killing Eve, a purtat faimoasa o rochie de tul roz Molly Goddard in serie (Credit: BBC)

Judecand dupa adoratia aproape universala a celor doua rochii, se pare ca acest stil de balerina revigorat va exista inca o vreme.

Hai sa dansam! este la Kunstmuseum Den Haag pana la 12 ianuarie 2020. Ballerina: Fashion’s Modern Muse de Patricia Mears este publicata de Vendome Press.

Daca doriti sa comentati aceasta poveste sau orice altceva pe care l-ati vazut pe BBC Culture, accesati  pagina  noastra de  Facebook sau trimiteti-ne un mesaj pe Twitter .

Si daca ti-a placut aceasta poveste,  inscrie-te la buletinul informativ saptamanal bbc.com , numit „Daca ai citit doar 6 lucruri in aceasta saptamana”. O selectie selectata de povesti de la BBC Future, Culture, Worklife si Travel, livrate in casuta de e-mail in fiecare vineri.