Ceea ce ne spune arta ciumei astazi

Ceea ce ne spune arta ciumei astazi

Cum au reprezentat artistii epidemiile de-a lungul secolelor – si despre ce ne pot spune lucrarile de arta atunci si acum? Emily Kasriel exploreaza arta ciumei de la Moartea Neagra pana in vremurile actuale.

A

In timp ce comunitatile lor s-au confruntat cu un dusman invizibil, artistii au incercat adesea sa dea sens distrugerii intamplatoare aduse de plagi. Interpretarea lor a ororilor la care au asistat s-a schimbat radical in timp, dar ceea ce a ramas constant este dorinta artistilor de a surprinde esenta unei epidemii. Prin aceste opere de arta, ei au reformat ciuma ca pe ceva nu la fel de amorf, incognoscibil sau terifiant. 

Mai multe asa:

– Simbolul care rezuma vremurile noastre

– Ce inseamna visele noastre?

– Scriitorii ciumei care au prezis astazi

De-a lungul majoritatii istoriei, artistii au descris epidemii din cadrul profund religios in care au trait. In Europa, arta care descrie Moartea Neagra a fost vazuta initial ca un avertisment de pedeapsa pe care ciuma il va aduce pacatosilor si societatilor. Secolele care au urmat au adus un nou rol pentru artist. Sarcina lor a fost de a incuraja empatia cu victimele ciumei, care au fost ulterior asociate cu Hristos insusi, pentru a-l exalta si a-l stimula pe curajosul ingrijitor. Generarea de emotii puternice si demonstrarea unei forte superioare pentru depasirea epidemiei au fost modalitati de a proteja si de a aduce consolare societatilor care sufera. In timpurile moderne, artistii au creat autoportrete pentru a arata cum ar putea rezista si rezista epidemiilor care se desfasoara in jurul lor, revendicand un sentiment de agentie. 

Prin creativitatea lor, artistii s-au luptat cu intrebari despre fragilitatea vietii, relatia cu divinul, precum si rolul ingrijitorilor. Astazi, pe vremea lui Covid-19, aceste imagini istorice ne ofera sansa de a reflecta asupra acestor intrebari si de a ne pune propria noastra intrebare.

Ciuma ca avertisment

Intr-un moment in care putini oameni puteau citi, au fost create imagini dramatice cu o poveste convingatoare pentru a captiva oamenii si a-i impresiona cu imensitatea puterii lui Dumnezeu de a pedepsi neascultarea. Moartea de ciuma a fost vazuta nu numai ca pedeapsa lui Dumnezeu pentru rautate, ci ca un semn ca victima va suporta o eternitate de suferinta in lumea viitoare.

Array

Acest manuscris ilustrat timpuriu descrie Moartea Neagra (Credit: Courtesy of Louise Marshall / Archivio di Stato, Lucca)

Aceasta imagine este una dintre primele reprezentari ale artei renascentiste ale epidemiei de Moarte Neagra, care a ucis aproximativ 25 de milioane de oameni in Europa in cei mai devastatori ani ai sai. In acest manuscris ilustrat pictat in Toscana la sfarsitul secolului al XIV-lea, diavolii arunca sageti pentru a provoca groaza asupra unei mase incurcate de umanitate. Crima este descrisa in timp real, cu o sageata pe punctul de a lovi capul uneia dintre victime. Simbolul sagetilor ca purtatori de boli, nenorocire si moarte se bazeaza pe o vena bogata de metafore sageti din Vechiul Testament si mitologia greaca.    

Istoricul australian de arta, dr. Louise Marshall, sustine ca, in ilustratii de acest fel, diavolii sunt subcontractati de Dumnezeu pentru a pedepsi omenirea pentru pacatele lor. Oamenii medievali care au vazut aceasta imagine ar fi ingroziti de creaturile inaripate, deoarece credeau ca dracii au iesit din lumea interlopa pentru a-i ameninta cu puteri incredibile. 

Aceasta portretizare ne arata sacrificarea diavolului ca fiind nediscriminatorie, iesind din atmosfera corupta a norilor intunecati pentru a viza intreaga comunitate. „Imaginea actioneaza ca un avertisment nu numai despre pierderea unei comunitati, ci si despre sfarsitul lumii in sine”, spune dr. Marshall. In aceasta intelegere a ciumei, apocalipsa este pusa in folosul final al umanitatii, astfel incat sa putem invata eroarea cailor noastre si sa implinim vointa divina traind o adevarata viata crestina.   

Ciuma este descrisa ca o pedeapsa in aceasta ilustratie din secolul al XIV-lea (credit: Biblioteca Rylands / Universitatea din Manchester)

Naratiunea pedepsei ciumei face, de asemenea, parte din povestea eliberarii poporului evreu din Egipt, relatata de comunitatile evreiesti in fiecare an la Paste. Aceasta imagine a uneia dintre cele 10 plagi doborate asupra egiptenilor vinovati provine dintr-o Haggada iluminata din secolul al XIV-lea. Manuscrisul a fost insarcinat de evreii din Catalonia sa-l foloseasca la masa lor anuala de Paste.

Aici, faraonul si unul dintre curtenii sai sunt loviti de furuncule pentru pacatele lor de a asupri sclavii israeliti despre care egiptenii sustineau ca roiesc ca niste insecte. Profesorul de religie si cultura vizuala, dr. Marc Michael Epstein, subliniaza „pedeapsa extrema dezvaluita in detaliul acestei imagini, cei trei caini lingandu-si ranile pacatoase ale proprietarilor egipteni”.

Lucrarile de arta create in vremuri de ciuma aminteau chiar si celor mai puternici ca viata lor era fragila, temporara si provizorie. In multe picturi de ciuma se pune accent pe brusca mortii. Se repeta imaginea d anse macabre , unde toata lumea este incurajata de personificarea mortii sa danseze pana la mormant. Exista, de asemenea, o utilizare extinsa a clepsidrei pentru a avertiza credinciosii ca au avut doar un timp limitat pentru a-si pune in ordine afacerile si sufletele inainte ca ciuma sa le poata intrerupe fara avertisment. 

Ciuma care inspira empatie

A existat o dezvoltare dramatica in arta ciumei odata cu crearea Il Morbetto (ciuma), gravata de Marcantonio Raimondi la inceputul secolului al XVI-lea, pe baza unei opere a lui Rafael.       

Aceasta gravura din secolul al XVI-lea este de Raimondi (Credit: The National Gallery of Art Washington DC)

Potrivit istoricului de arta al ciumei din SUA, dr. Sheila Barker, „ceea ce este semnificativ la aceasta minuscula imagine este concentrarea asupra catorva persoane, care se disting prin varsta si sexul lor”. Aceste personaje s-au umanizat, obligandu-ne sa simtim compasiune pentru suferinta lor. Vedem ca bolnavilor li se acorda o ingrijire atat de blanda, incat simtim ca si noi trebuie sa actionam pentru a le usura durerea. Aici, o opera de arta are potentialul de a ne convinge sa facem ceva ce ne poate fi frica sa nu facem – ingrijirea sufletelor bolnave si contagioase.  

Aceasta schimbare in arta ciumei a coincis cu o noua intelegere a sanatatii publice. Toti membrii societatii meritau sa fie protejati, nu doar cei bogati care puteau scapa in vilele lor de la tara. Medicii care au fugit din oras pentru propria lor siguranta urmau sa fie pedepsiti.

Aceasta tema de empatie a fost dezvoltata in continuare in secolele al XVII-lea si al XVIII-lea, prin alinierea mai stransa a Bisericii Catolice cu o agenda de sanatate publica. Arta ciumei a inceput sa fie expusa in interiorul bisericilor si manastirilor. Cei care sufereau de ciuma erau acum asociati cu Hristos insusi. Dr. Barker sustine ca scopul acestei identificari a fost „sa-i convinga pe frati sa-si depaseasca frica de mirosul putrid al trupului pe moarte si de imensitatea mortii invatand sa iubeasca victimele contagioase ale ciumei”. Cei care au avut grija de suferinti s-au sacrificat potential si au fost, prin urmare, exaltati fiind descrisi ca niste sfinti.  

Poussin a pictat Ciuma din Ashdod in 1630-31 (Credit: DEA / G DAGLI ORTI / De Agostini via Getty Images)

Putere vindecatoare

In secolul al XVII-lea, multi oameni credeau ca imaginatia are puterea de a rani sau de a vindeca. Artistul francez Nicolas Poussin a pictat Ciuma din Ashdod (1630-1631) in mijlocul unui focar de ciuma din Italia. Intr-o recreere a unei scene biblice tragice indepartate, care provoaca sentimente de groaza si disperare, Dr. Barker considera ca „artistul a vrut sa protejeze privitorul impotriva bolii pe care o infatiseaza tabloul”. Starnind emotii puternice pentru o intristare indepartata, spectatorii ar experimenta o purjare catartica, inoculandu-se impotriva angoasei care ii inconjoara.

Opera de arta a lui Tsukioka Yoshitoshi din 1892 arata un razboinic care rezista demonilor variolei (Credit: Biblioteca Nationala de Medicina)

Ciuma variolei a devastat Japonia de-a lungul mai multor secole. O opera de arta creata in 1892 il infatiseaza pe miticul razboinic samurai Minamoto no Tametomo rezistand celor doi zei ai variolei, variola major si variola minor. Razboinicul, cunoscut pentru rezistenta si forta sa, este descris ca fiind puternic si increzator, imbracat cu vesminte ornate visceral rosii si inarmat cu sabii si cu o tolba plina de sageti. In contrast, zeii fugari, inspaimantati, incolori ai variolei sunt stransi neputinciosi in coltul imaginii.

Navigarea durerii prin autoportret

Artistii moderni si contemporani au creat autoportrete pentru a da sens propriei suferinte de ciuma, contempland simultan temele transcendente ale vietii si mortii.

Autoportretul lui Edvard Munch cu gripa spaniola (1919) exprima propria durere a artistului (Credit: Nasjonalmuseet / Lathion, Jacques)

Cand gripa spaniola a lovit Europa imediat dupa primul razboi mondial, artistul norvegian Edvard Munch a devenit una dintre victimele sale. In timp ce trupul lui inca se confrunta cu gripa, el si-a pictat trauma – palid, epuizat si singuratic, cu gura deschisa. Gura cascata ecou cea mai faimoasa lucrare a sa, The Scream, si poate descrie dificultatile de respiratie ale lui Munch in acel moment. Exista un puternic sentiment de dezorientare si dezintegrare, figura si mobilierul imbinandu-se intr-un delir de perceptie. Cearsaful artistului arata ca un cadavru sau un somn potrivit, care se arunca si se intoarce in noapte. Spre deosebire de unele dintre descrierile anterioare ale bolii lui Munch, in care ii portretizeaza pe cei dragi ai bolnavului care asteapta cu anxietate si frica, artistul de aici se infatiseaza ca victima, care trebuie sa suporte aceasta ciuma izolata si singura.

Doctorul american Elizabeth Outka, academician american, spune BBC Culture: „Munch nu doar tine o oglinda asupra naturii, ci si exercita un anumit control prin reinventarea ei”. Outka crede ca arta serveste aici ca mecanism de coping atat pentru artist, cat si pentru spectator. „Spectatorul poate simti un profund sentiment de recunoastere si compasiune pentru suferinta lui Munch, care poate ajuta intr-un fel sa-si vindece suferinta”.    

Familia lui Egon Schiele, 1918, este plina de angoasa (Credit: Fine Art Images / Heritage Images via Getty Images)

In 1918, artistul austriac Egon Schiele lucra la o pictura a familiei sale, impreuna cu sotia sa insarcinata. Copilul mic prezentat in pictura reprezinta copilul nenascut al cuplului. In acea toamna, atat Edith, cat si Egon au murit din cauza gripei spaniole. Copilul lor nu s-a nascut niciodata. Schiele a acordat o mare importanta autoportretelor, exprimandu-si angoasa interna prin pozitii excentrice ale corpului. Calitatea translucida a pielii este cruda, de parca ni se va arata o parte din interiorul lor torturat, iar expresiile fetei sunt vulnerabile in timp ce sunt resemnate simultan.

David Wojnarowicz a fost un artist american care a creat un corp de activitati anti-SIDA, criticand cu pasiune guvernul SUA si Biserica Catolica pentru ca nu a promovat informatii despre sexul in siguranta. Intr-un autoportret profund personal, fara titlu, el reflecta asupra propriei sale mortalitati. Cu aproximativ sase luni inainte de a muri de SIDA, Wojnarowicz conducea prin Death Valley in California si i-a cerut tovarasului sau de calatorie Marion Scemama sa se opreasca. A coborat din masina si a inceput cu furie sa razuiasca pamantul cu mainile goale, inainte de a se ingropa.   

Ca si in autoportretul unui Munch afectat de gripa, dr. Fiona Johnstone, istoric de arta contemporana din Marea Britanie, vede aceasta lucrare ca David Wojnarowicz care incearca sa afirme agentia. „Aici David preia controlul asupra propriei sale sotii, impiedicandu-l, luptand impotriva controlului bolii sale prin efectuarea propriei inmormantari”, spune ea. 

In acest autoportret fara titlu, David Wojnarowicz reflecta asupra propriei sale mortalitati (Credit: Courtesy of the Estate of David Wojnarowicz and P · P · O · W, New York)

Platformele digitale de astazi permit artistilor sa raspunda crizei Covid-19 prin exprimarea si partajarea in timp real. Artistul de origine irlandeza Michael Craig-Martin a creat un poster de flori NHS Multumesc. Suntem incurajati sa co-cream opera de arta descarcand-o, colorand-o si apoi colaborand afisand-o in fereastra noastra.    

Michael Craig-Martin se numara printre multi artisti care s-au inspirat din pandemia actuala (Credit: Michael Craig-Martin)

In tarile din intreaga lume, artistii incearca sa inteleaga incet coronavirusul si raspunsul de auto-izolare in tarile din intreaga lume. Istoricii artei contemporane isi vor astepta cu nerabdare lucrarile. Noi, cei care traim aceasta ciuma moderna, ne vom angaja cu aceste imagini emergente; s-ar putea chiar sa recastige un anumit control asupra unei experiente care ameninta atat de mult umanitatea si vietile noastre globalizate.

Cercetare de Kate Provornaya

Daca doriti sa comentati aceasta poveste sau orice altceva pe care l-ati vazut pe BBC Culture, accesati  pagina  noastra de  Facebook sau trimiteti-ne un mesaj pe Twitter .

Si daca ti-a placut aceasta poveste,  inscrie-te la buletinul informativ saptamanal bbc.com , numit Lista esentiala. O selectie selectata de povesti de la BBC Future, Culture, Worklife si Travel, livrate in casuta de e-mail in fiecare vineri.