Bucuria in pictura: De ce se strecoara intotdeauna tristetea

Bucuria in pictura: De ce se strecoara intotdeauna tristetea

(Credit de imagine:

Wikimedia

)

Eu

Este posibil sa creezi o opera de bucurie pura – una complet lipsita de orice urma de necaz sau tristete? Henri Matisse credea ca ar putea fi. „Ce visez”, a explicat pictorul pionier modernist unui intervievator in 1909, „este o arta a echilibrului, a puritatii si a seninatatii, lipsita de un subiect tulburator sau deprimant … o influenta linistitoare si calmanta asupra mintii.” In acelasi an, Matisse a inceput sa lucreze pe o panza care este admirata pe scara larga nu numai ca una dintre cele mai vesele din toata istoria artei, ci si una dintre cele mai mari: La Danse (1909-10) – acea apoteoza pulsanta a ritmului si formei in pe care un cvintet de figuri nud le invarte rapitor, mana in mana, in cerc pentru eternitate.

Mai multe asa:

– De ce ar trebui sa sarbatorim furia

– Prima data cand sexul a fost descris in arta?

– Ce este melancolia in secolul XXI?

Comisionat sa impodobeasca o scara in conacul din Moscova al omului de afaceri si colectionar de arta rus Sergei Shchukin, celebra lucrare a lui Matisse este de fapt o explozie a unui detaliu relativ mic al unui grup de sase dansatori vazuti in departarea unui tablou compozitional mai complex decat artist creat cu cativa ani mai devreme: Le bonheur de vivre , sau Bucuria vietii (1906).

Pictura La Danse a lui Matisse din 1909-10 a fost descrisa ca „un vartej in extaz” (Credit: Getty Images)

„Imi imaginez un vizitator care vine din exterior”, a explicat Matisse intr-un interviu cu criticul Charles Estienne in 1909, descriind cum se astepta ca oaspetii lui Shchukin sa experimenteze La Danse: „Primul etaj il invita.

Array

Trebuie sa aduni energie, sa dai o senzatie de usurinta. ” Descrisa diferit de critici ca „un vartej in extaz” si „cea mai frumoasa pictura a lumii moderne”, La Danse de Matisse este cu siguranta o dovada pozitiva ca o lucrare de bucurie necalificata este intr-adevar posibila. Sau este?

Uita-te mai aproape si ceva incepe sa tulbure coregrafia vesela a tabloului aproape de centrul panzei, eliminand fericirea sa – un tragere de greutate ciudat care leaga „sentimentul de usurinta” pentru care Matisse viza. Suspensia vesela pe care Matisse intentiona sa o evoce se declanseaza dramatic si se prabuseste atunci cand ochii nostri cad in sfarsit asupra a ceea ce este usor de trecut cu vederea in mijlocul vartejului exuberant de muzica si muschi: prinderea care s-a strecurat brusc intre mana figurii din primul plan al picturii si intinderea inapoi a dansatorului spre stanga ei (si a noastra), care pare sa nu stie de calamitatea pe cale sa se desfasoare in spatele ei.

Odata reperat, franghia din lant este imposibil de vazut, deoarece electricitatea extatica care doar cu cateva clipe inainte parea sa zvacneasca fara sfarsit prin opera lui Matisse incepe sa se scurtcircuiteze. Figura din prim-plan nu ne mai apare in comanda gratioasa asupra corpului ei care se invartea. Se arunca cu disperare pentru a-si recastiga legatura in timp ce genunchiul stang incepe sa se incordeze, pregatindu-se de ceea ce promite sa fie o cadere invinetita. In loc sa fie inchisi intr-o orbita de gratie si veselie nesfarsita, dansatorii pe care ii dam seama sunt inghetati pentru totdeauna in pragul prabusirii periculoase.

Poate ca aceasta este o metafora pentru soarta inevitabila (si, in cele din urma, norocoasa) a oricarei mari opere de arta care incearca sa inteleaga imposibilul: un moment de bucurie nealiata.

Diferite lovituri

Daca credeti ca sunt negativ in mod inutil, luati in considerare un alt exemplu: Lumina moarta luminoasa a lui Paul Cezanne Mere, sticla si spatele unui scaun (1902-6), o acuarela tarzie a pionierului postimpresionist, ale carui accente stralucitoare par emfatic. pentru a afirma potentialul de bucurie al vietii. In celebrul sau studiu al artei moderne, Socul noului, istoricul si criticul Robert Hughes insista ca acuarela lui Cezanne apartine „celei mai bucuroase parti a operei vietii [lui Cezanne]”. Dintre tehnica cu care pictorul a facut veselie din aerul subtire si din pigmentul subtire, Hughes a observat cu pasiune: „Aproape ca se pot observa uscaturile scurte de rosu, galben si albastru transparent care se usuca pe caietul de schite in caldura provensala,

Potrivit criticului de arta Robert Hughes, Apples, Bottle and a Chairback apartinea „celei mai bucuroase parti” a operei vietii lui Cezanne (Credit: Alamy)

Cu toata vibratia sa vizuala, totusi, adevarata putere a operei sta in alta parte – in intelegerea linistita a pierderii. Ceea ce la inceput pare o celebrare „vesela” a luminii interioare este, la o reflectie ulterioara, o meditatie luminoasa asupra singuratatii. Pictura, asa cum scrie istoricul de arta Carol Armstrong in cartea sa Cezanne in the Studio: Still Life in Watercolors, este constienta de tot ce a venit inainte si se uita inapoi la „primii ani salbatici ai lui Cezanne, cand a pictat banchete orgiastice”. Dupa cum observa Armstrong sensibil, acordandu-se la frecventa subtila a singuratatii care electrificeaza lucrarea, este „ca si cum cineva ar fi fost in cele din urma invitat la cina sau desert in studio si chiar i s-ar fi oferit un loc la masa … Si totusi, nimeni acolo deloc ”,

Pivotul de la bucurie la tristete care intensifica sensul operei lui Cezanne zgomoteste cu scrierea poetului romantic William Wordsworth, a carui intelegere a „Acelei dispozitii dulci cand gandurile placute / Adu gandurile triste in minte” a ajutat la conturarea constiintei culturale. In influentul sau poem Lines Written a Few Miles Above Tintern Abbey (1798), Wordsworth detine in echilibru elocvent atat o recunoastere a „muzicii inca triste a umanitatii”, impotriva careia fiinta noastra din lume este pusa sufletesc, cat si „puterea profunda de bucurie ”, care ne permite„ sa vedem in viata lucrurilor ”.

In pictura rococo din secolul al XVIII-lea leaganul, un tanar este ascuns in tufisuri in timp ce priveste o tanara pe un leagan; un barbat mai in varsta pare necunoscut in timp ce o impinge

Tristetea este axa pe care se rotesc spitele bucuriei. Se roteste chiar si in cele mai indraznete dintre picturi, cum ar fi artistul francez rococo Jean-Honore Fragonard, mult-adoratul leagan (c 1767) – o lucrare care, la prima vedere, pare complet neingradita de legaturile tristetii. „Fragonard a incarcat intreaga pictura”, observa criticii Hugh Honor si John Fleming in cartea lor The Visual Arts: A History, „cu plin de iubire si bucuria unei impetuoase predari fata de iubire. Intr-o sclipire de frunze si petale de trandafir, luminata de un fascicul stralucitor de soare, fata, intr-o rochie spumoasa de crem si roz suculent, calareste leaganul cu un abandon fericit si necugetat. ” Poate ca este lipsita de ganduri, dar noi nu suntem. Bucuria ei pendulanta este intre paranteze o alegorie a scurgerii incurabile a timpului: tanarul culcat, cu obraji roz, care ii tine palaria in coltul din stanga jos al lucrarii si barbatul imbatranit pe care il va deveni in curand, stand la umbra in spatele ei, incercand cu disperare sa franeze franghiile timpului. Bucuria nu este o miscare perpetua nesfarsita pe care o putem da de buna, ci una propulsata efemer de muschi perisabili.

Nimeni nu a inteles mai bine sinergiile bucuriei si tristetii decat Vincent van Gogh, a carui opera si psihic au fost revigorate si nelinistite de frictiunea irezolvabila dintre acele sentimente contrare. „Nu este adevarat ca Van Gogh nu a vandut niciodata o lucrare”, spune criticul Laura Cumming despre o etapa subapreciata in cariera artistei in stralucitul ei sondaj de autoportreta A Face to the World: „un tanar scotian pe care l-a cunoscut la Paris a cumparat o poza direct de la el – un cos cu mere, care se invarte ca o pluta plictisitoare pe o mare de apasari atat de exuberante, panza este practic debordanta: bucurie in toate lucrurile ”.

In pictura unui cos cu mere, Van Gogh a echilibrat aurul vibrant cu o nuanta mai albastra de umor (Credit: Kroller-Muller Museum)

Intreruperea exuberantei crescande a loviturilor galbene si a unor linii de aur vertiginoase care ridica cosul si il propulseaza inainte in imaginatia noastra, este totusi un flux de blues vanatai la stanga plutei tesute care ii tulbura traiectoria. „De ani de zile”, spune Simon Schama, reflectand asupra inseparabilitatii tristetii si bucuriei din opera lui Van Gogh, „s-a straduit sa realizeze o viziune de absorbtie totala in cresterea vitala a naturii, o senzatie atat de electrizanta incat sa faca singuratatea ale vietii moderne dispar ”. Schama concluzioneaza: „Totusi, pentru bietul Vincent, uneori bucuria extrema nu se distinge de durerea extrema”. In cele din urma,

Adevarul este ca nu vrem picturi de bucurie fara atenuare: pentru ca viata insasi nu este niciodata atat de pura. O pictura puternica ne ajuta sa facem fata tristetii oferindu-ne o iesire din durere, nu pretinzand ca tristetea nu exista sau stergand-o de la suprafata fiintei. Opera lui Matisse este mai mare pentru ca ne arata viata asa cum este cu adevarat: la un pas scurt de dezastru. O mare opera de arta ne ajuta sa ne pregatim pentru a ridica piesele atunci cand lucrurile se destrama. Nu elimina din existenta orice urma de durere si suferinta. O astfel de lucrare, chiar daca ar fi posibila, nu ar fi frumoasa pentru ca nu ar fi adevarata.

Daca doriti sa comentati aceasta poveste sau orice altceva pe care l-ati vazut pe BBC Culture, accesati  pagina  noastra de  Facebook sau trimiteti-ne un mesaj pe Twitter .

Si daca ti-a placut aceasta poveste,  inscrie-te la buletinul informativ saptamanal bbc.com , numit Lista esentiala. O selectie selectata de povesti de la BBC Future, Culture, Worklife si Travel, livrate in casuta de e-mail in fiecare vineri.