1922: Anul care a schimbat arta braziliana

In anul centenarului independentei Braziliei, vanturile schimbarii au suflat prin lumea artistica a tarii si au schimbat-o pentru totdeauna, scrie Lucinda Hawksley.

Una dintre cele mai pronuntate trasaturi ale lucrarilor afisate a fost dorinta de a scapa Brazilia de arta, literatura, ideile si ideologia importate. Tara sarbatorea 100 de ani de libertate fata de opresiunea portugheza – deci, de ce, ar fi vrut artistii sa stie, arta europeana era considerata in continuare de cei mai multi superiori operei artistilor brazilieni?

In Europa la acea vreme, arta s-a mutat de la epocile impresionismului si postimpresionismului la Vorticism, Futurism, Cubism si primele agitatii ale suprarealismului. Primul Razboi Mondial zdrobise sentimentalismul si incepuse Epoca Masinilor. In 1922, Europa inca incerca sa se reconstruiasca dupa ani de conflict si fiecare tara incerca sa-si salveze propria identitate culturala, incercand sa descopere ceea ce era real si ceea ce fusese creat de propaganda din timpul razboiului.

Asta nu inseamna ca artistii brazilieni s-au separat de influentele europene.

Array

Multi brazilieni aveau legaturi familiale cu Europa – Brazilia era un adevarat topitor de identitati – si cativa dintre cei mai importanti artisti din secolul al XX-lea al tarii au continuat sa viziteze Europa, mai ales Parisul. Au mers sa studieze si sa descopere ce se intampla in alte comunitati artistice. Cu toate acestea, la intoarcerea in Brazilia, acesti artisti nu mai produceau simple imitatii a ceea ce vazusera in Europa, asa cum facusera predecesorii lor din secolele XIX si inceputul secolului XX. In schimb, au castigat libertatea de a folosi abilitatile, tehnicile si experientele dobandite in strainatate pentru a-si crea propriile opere unice braziliene.

Di Cavalcanti s-ar fi putut inspira din ilustratiile lui Aubrey Beardsley, dar lucrarile sale capata un senzationalism magic si o paleta de culori care este distinct braziliana, cu siguranta nu engleza.

Cand Lygia Clark s-a intors la Rio de Janeiro in anii 1950, dupa doi ani la Paris, a inceput sa-si priveasca arta dintr-o noua perspectiva. In loc sa o vada din punctul de vedere al artistului care a creat-o, ea a inceput sa se gandeasca la ceea ce ar fi sa fii privitorul care observa lucrarea. Acest lucru poate fi vazut perfect in seria ei de Bichos („creaturi”), sculpturi articulate care par sa-l atraga pe privitor sa mute fiecare sectiune intr-o noua formatiune, pentru a-si face propria lucrare.

Beton lustruit

De-a lungul anilor 1930 si 40, in timp ce o mare parte a lumii se afla inca intr-o stare de flux cu privire la ceea ce constituia exact arta „moderna”, societatea braziliana a fost rapida sa o imbratiseze. Artisti sau opere individuale ar putea inca sa provoace controverse si ostilitate, dar ideea artei moderne a ramas atragatoare si in curand se vorbea despre noi muzee pentru Sao Paolo si Rio de Janeiro. Pentru cei care privesc din exterior – jurnalisti, politicieni straini si vizitatori din strainatate – Brazilia conducea calea inainte, iar acest nou stil de arta si expresie artistica se strecura incet in identitatea culturala a tarii.

In 1951, Brazilia a facut un alt pas artistic indraznet: crearea primei bienale de arta care va avea loc in afara Venetiei. A fost fondata de industriasul brazilian-italian Ciccillo Matarazzo si a avut loc la Sao Paolo. In anul urmator, la Muzeul de Arta Moderna din Sao Paolo a avut loc o expozitie seminala, intitulata Ruptura (Ruptura). Expozitia si manifestul ei au marcat o ruptura cu trecutul si un nou stil: „Arta concreta”, in care organicul si geometria ar sta unul langa altul. Cuvantul „concret” a fost folosit pentru a sublinia faptul ca arta a fost condusa de concepte, nu smulse din abstract – oricat de abstruse ar putea parea rezultatele privitorului. Acesta a fost un nou stil de arta din lucrarile moderniste din anii 1920 si 1930. In anii 1950 arta abstracta si geometrica era arta momentului.

Artistii din ambele orase si-au facut proprie interpretarea manifestului Ruptura : un manifest care a declarat ca arta figurativa este epuizata si ca nu mai are niciun sens in lumea moderna. Artistii au dorit sa lucreze din instinctele si sentimentele lor primare, mai degraba decat sa incerce pur si simplu sa reproduca ceea ce au vazut in fata lor. Abandonarea artei figurative poate fi considerata obisnuita astazi, dar la acea vreme aceasta era revolutionara si extrem de provocatoare. Calatorind prin Abstractie si influentele extinse ale cubismului, a fost un pas usor catre minimalismul decupat al artei geometrice.

Implicat activ

Artisti precum Geraldo do Barros, Lygia Clark, Lygia Pape si Helio Oiticica au folosit insasi esenta Braziliei pentru a-si crea lucrarile: materiale din pamant, metale extrase in Brazilia, lemn cultivat acolo, vopsele in culorile tarii. Ei si-au folosit arta nu numai pentru a inspira veneratie estetica, ci pentru a se impotrivi impotriva nedreptatilor sociale. Cand Lygia Pape si-a produs seria de Tecelares sau „ tesuturi ”, ea a folosit tehnicile mestesugurilor indigene – xilografia si textilele – pentru a evidentia ceea ce se intampla cu indigenii „fara pamant”, „deposedati”, ale caror pamanturi erau parcelate si vandute de si intre guvern, industriasi si capitalisti.

Pictorul, fotograful si designerul de mobilier Geraldo do Barros a iubit jocul cu conceptele despre ceea ce a fost si nu a fost abstract si ceea ce a fost si nu a fost realizat manual. El va produce lucrari minutioase manual, dar va incerca sa le faca sa para produse in serie. In acest sens, el a comentat despre mestesugul pierdut al Braziliei, talente care au fost scoase din abur din industrializare. Ii placea sa pacaleasca ochiul si mintea pentru a-i face pe oameni sa puna la indoiala ce era si ce nu arta.